不想讲话

不想讲话

不想讲话

不想讲话

不想讲话

不想讲话

不想讲话

超级不想讲话

因为要上班，所以还是得讲。。。      

噹噹正在慢慢长大，长大后就要送到外面去了，真不愿意它长大。。。      

初见藏獒应注意 ：

首先，在见藏獒之前，一定要和主人打过招呼，并在主人的陪同之下进入獒园。众所周知，藏獒是异常忠实和尽责的犬类，同时，藏獒也是有着强烈领地意识的犬类。如果没有主人的陪同擅自闯入藏獒的领地，后果将不堪设想。
　　其次，虽然藏獒的眼睛是分辨不出色彩的，可是据多年养殖藏獒的专家介绍，藏獒对大黄和大红会比较忌讳，看到这两种颜色反应会比较强烈，所以最好是避免穿这两种颜色的衣服出现在藏獒面前。
　　再次，见到藏獒之后千万不要靠近，因为想第一次就与藏獒和平共处是根本不可能的，不要有这种想法。藏獒毕竟不是宠物狗，许多优秀的獒除了主人之外连饲养员都无法接近，更不用说陌生人了。同时，要注意观察藏獒的表情，一般藏獒见到陌生人都会有戒备心理，两眼会死死盯住陌生人，不停的吼叫，有上扑和咬的动作。如果看到藏獒有立毛、变脸和眼神突然凌厉闪亮的表现，那么就要更加异常小心，这就是藏獒要攻击的先兆了。
　　最后，据多年养殖藏獒的专家介绍，藏獒的灵性在这个时侯也会表现出来，它对于主人带进来的是客人还是朋友一般都可以分辨出来，不会乱来。可是对于心怀不轨或者不甚地道的人威力会特别大，所以大家要格外注意这一点。

——王皆、东方玉铭、廖羽三人展

夏可君

看图说画？没有写错吧？是的，没有写错，没有看错，就是看着图，说着画，我们看着这些作品，就想对着它们说话；这些书法绘画作品如此奇妙，一个个栩栩如生，它们自身就在说话，在言说着自身；因而我们也可以将错就错，就是看图说画，或者说，我们看着这些绘画作品，就禁不住对着它们开始言说，我们就开始认字，就开始与之一道说话了。

这是三位参展的艺术家王皆、东方玉铭和廖羽带给我们的新的阅读享受。

在这里，图像、绘画和言说这三者被艺术家们奇妙地编制在一起，在一个图像转向的时代，三位艺术家自觉思考和呈现出了艺术最为基本的三种语言符号之间的关系，从而推动我们进一步思考艺术表达之新的可能性。

对于一个有着悠久象形文字书写和书画同源特色的文化传统而言，图像和绘画之间错综复杂的关系一直在召唤新的发现，随着传统书法的程式化，当代实验书法经过个性化和形式化的抽象转化，打破了书画和绘画的界限，成为了有着“书像”的绘画式作品。王皆的作品就成为结合文字和图画的绝佳范例。

在长达两年完成了26米长的《金刚经》的刻写之后，王皆进入了更加自由的艺术境界，开始摆脱雕刻与印章的约束，让经典中的文字被分离、移开、移借、假借到另外的平面上，进入另外的空间，成为带有装饰性的图案，成为了需要仔细仰望和在远处凝望的图符，成为几乎不可读的图形，这是在边缘敞开的变异书写，文字成为了绘画，成为了“书像”！这个重要的转换来自于王皆对印章雕刻和盖印姿态的思考，他着迷于一个雕刻家把印盖在纸绢上的那种审慎而又激动的姿势，如同传统书法艺术对运笔姿势的严格要求，他自己的作品是这个运动姿势活生生的体现。

王皆把《金刚经》之中的一些字小心地拿出来，然后染上不同颜色的印泥，精心地盖印在宣纸或者有着底色图案的布以及绢上，因为材质的不同，尤其是云龙纸的朴素古旧所带来的触感和时间的痕迹，带给读者一种苍凉的感受；通过印泥颜色的深浅变化，各个方块字形之间呈现出色彩和形态上的轻重疏密关系，印色的不同就传达出全然不同的情调，王皆已经利用了传统水墨的晕染和五彩变化感受，但是又有着画像砖的历史迹象；然后再精心安排和控制各个印章文字之间的排列组合形式，方块字就构成了一个个迷局一般的方阵，而且多变的画面布局有着可以反复琢磨的叙事性，这又借鉴了抽象画的视觉形式，让我们看到了看似是版画其实又与版画截然不同的效果，因为印石的坚硬和柔弱的宣纸合二为一了；因而我们在画面上就看到了各个字形和字像之间内在的节奏变化，王皆彻底把印章的文字字形转换为有着丰富视觉变化效果的图像绘画作品；这些印章之字脱离了文字本身的意义，脱离了经文本身，有着装饰性的美感，成为了“书像”式的抽象符号。

王皆的这些书像作品呈现了一个他自己独立塑造的有着内在意蕴的世界。它们有着某种秘密的古韵，似乎古老文字中隐藏的幽灵被艺术家重新召回：印章轮廓的重叠，字体显隐的交错，印泥浓淡的变化，不仅仅是形式上的转换，而且有着深远的意蕴，在王皆最近的作品上，我们可以看到很多的“佛”字或“佛像”印，那是从《金刚经》上走出来的佛！佛像印反复出现在其它字印的中间，或者，就是反复在云龙纸上盖上深浅不同的佛像印，这是佛本身播散在这些字之间，使其它的字都带有了佛性——“字字如佛”！或者，佛有了无尽的化身——这一次化身为汉字！这些佛印的巧妙排列，似乎让我们进入了有着无数佛龛的敦煌壁画之中，王皆的这些书像作品隐秘传承了敦煌壁画艺术的神韵。当然王皆的这些作品并不是佛教艺术，而是他个体所创造的一个有着灵性的世界，在佛印周围，我们还可以看到“爱”这样的字印，似乎基督教的爱感与佛教的精神悄悄共存了！这里有着画家本人对这个世界的危机和冲突的内在思考！王皆的作品展现了自己与传统的全新对话。

看着这些看似文字又好似图案的作品，我们还可以倾听到这些文字的声音，尤其是当艺术家巧妙地让刻有佛像的印章整齐肃穆地排列在5米长的绢上，在轻轻地抖动中，使之发出好似《金刚经》“如如不动”的声音，似乎那是佛在开口言说，这简直是“神籁之音”，王皆完全沉浸在一个文字图像自身呈现的神妙世界之中了。

另一位艺术家东方玉铭的作品则从东方最有神韵的线条出发，让线条古老的灵性反复伸延，无尽生长，成为当代艺术中的一绝。

东方玉铭的这些硬笔纸本作品全部以线条构成，看着他运笔的方式，婉转变化，笔轻轻触及纸张，反复描绘，安静而沉稳，如同一位身怀绝技的艺人和有着绝活的细密画大师，而且他还可以左右开弓，两只手都可以画，看着玉铭作画真是一种享受。

东方玉铭的作品不仅有着东方人对线条的支配能力和变形的魔力，而且充分转化了素描的质感和光影对比，带有古典浪漫主义骑士精神的余韵，有着超现实主义超凡的想象力，还有着极少主义的形而上品质，玉铭把线条的表现力提高到了令人叹为观止的境界。

线条一出现，就有了生命，就开始自我生长，已经画了几千幅硬笔作品的玉铭，他的手已经和线条融而为一了，似乎“线”就是手指手臂的一部分，就是手的延长，每一次开始，面对一次新的召唤，面对一个新的主题和形象，就是让线条开始在纸上自由滑动，自在流淌，有时，我们似乎就可以倾听带线条自身展现的声音：当画家去表现水的流动，云纹的变化时就尤为如此。

线条的生长如此自然妥帖，让事物展现自身内在的动势，似乎艺术家并不存在，这种自在的书写，确实带有超现实主义自动书写的味道，艺术家的手感心灵眼神已经完好的融为一体了。甚至，他可以在黑暗中作画，那幅神奇的只有一只眼睛的作品就是在极为微弱的光线下画出的，这是盲者的绘画，这是不再看视的创作，因为这是心在创作，是手在歌唱，进入这样的境界，没有几十年的创作和对线条的控制，是不可能达到的，是的，对于至高的智慧——一只眼都已太多！对于艺术的凝视，需要我们默会——听之以心、听之以气。线条的展现就有着内在的呼吸，有着节奏的变化，那是事物被时间化之后的隐秘形式。

在画面上，这些线条带有素描的质感和光感，线条疏密之间体现出事物的体积感，那幅表现校园建筑的作品，线条之间碎细又紧密，明暗对比中有着无数的气眼在透气，让人久久沉迷其间。有时以纤细的线条来画石头，即保持了石头的重量也体现了线条的柔韧。

这些线条反复缠绕，自身繁殖，画家推进了极少主义的理念。比如，从一个马的头开始，让人的头脸，让周围世界的云，山石，都与之缠绕在一起，通过线条的变形来贯穿事物，这让我想到了中国传统艺术的人物画的精髓，尤其在晚明丁云鹏的那些佛道的人物画上的神秘线条，这些线条缠绕着人的衣纹和头发，缠绕起树木山石乃至云气，似乎这个人已经与外在世界交融在一起，似乎整个世界本来是一体，物我合一，而且都是通过线条的变化来勾连起来的。这是艺术家以自己的线条独立创造一个世界，这是线的生命化和世界化，玉铭作品上的线条则更加流动，更加富有梦幻和魔幻。

由线条建构起一个梦幻一般的世界，一个形象的迷宫，这是那幅十米长的巨作《他们在哪里》的寓意：无数的形象，穿越不同时空的场景和事件交织在一起，现实和梦幻，过去与未来，动物和机械，都同时并存于一个不可能的世界，这是一座时间之城，一座梦想的天堂。从局部看，一个个细部都异常清晰，线条的变化准确精致；而从整体看，我们会不知所措，会反复惊叹这些线条是从哪里出来的？这些不断变形的形象只能来自于梦——这是一个白日梦的世界，这是一个万物有灵的原初世界。

玉铭的作品为我们保留了人类历史最为原初的想象力，有着对世界原初关照方式的还原，即万物有灵的经验，展现万物之间内在的亲密联系，但这是通过线条，通过艺术化的想象力重新建构起来的。线条的反复穿插，套叠，翻转，伸展，迂回，由线条展现事物之间亲密的隐秘关系，使之在变异中不断生成，这是对中国传统“道生一，一生二，二生三”最为现代的表现，玉铭的线条宛如龙蛇走笔，真是妙不可言！

有时候我们似乎看到了线条的线索，但立刻我们就发现这个线条向着意外不可预知的方向发展了，在可以控制和意外的期待之间，玉铭的线条展现了事物形象的变异性和无尽的可能性。

这些作品非常耐读，线条超越了文字书写和绘画图像之间的差异，“线”不仅仅是书法的线条也可能是事物的轮廓，“形”也不再仅仅是事物的造型也可能具有象形形态，而且线形总是处于婉转变形的态势之中，因此准确说这不是“线”而是迹线，是书写的痕迹，这些线形在似与不似之间，可读与不可读之间，展现了东方艺术的神髓。

在那些精心创作的小作品上，精确描绘的事物造型，线条在疏密粗细之间所带来的光影对比，让事物最为隐秘地部分一下子呈现在我们眼前，每一次，都是对事物之物性的重新发现。通过线的形而上书写性的发现，展现了日常事物的神秘性。

玉铭的这些小品异常精致，每一幅都美妙绝伦，如果借用中国传统艺术的品评说法，玉铭的作品是“灵品”：有着神品之神秘的气质，有着逸品之自在飘逸的灵动，还传达了万物之间亲密的灵性的呼吸。

第三位年轻一些的艺术家廖羽则以现代的技术来重新诠释了图像和绘画之间的关系，这是他对架上绘画和图像制作之间关系的独特“置换”。

不仅仅置换绘画和图像之间的关系，廖羽自己还是一位有着良好音乐素养的制作人和演奏家，因此，这些作品不仅仅要求我们观看，而且要求我们去听，廖羽让绘画可以言说，而且不是一般意义上的言说，而是歌唱，是音乐的声音在召唤我们倾听！

在廖羽自己看来，所谓置换就是在绘画，图像和音乐等等语言之间相互转换和代替，相互改变，达到一种总体艺术和大艺术的观念。他认为，置换的发生不单单具有一一对应关系的置换，而且具有多重置换的可能性，即，一张抽象化不可能只是精确对应于某一段乐曲，或者相反，一段乐曲也不可能只是对应于一张抽象画，而且这种置换随着时间地点的不同，随着艺术家和观众的不同会有所变化。廖羽的作品充分利用了接受美学和艺术当下现场感的观念，而且表现得异常彻底。

他在画有毛胚一般的形象的画布上，不断以投影的方式打上自己在电脑中制作的抽象作品，每一次打上不同的画面，就反复“涂改”了原先画布上的形象，使之随着每一次投射的形象不同而显示不同的意味，这是让画面流动起来，这是对架上表现力的最新的展现，这在当代中国艺术中是绝无仅有的！是廖羽对图像和绘画之间关系最新的思考！

廖羽在尝试结合图像的制作性和绘画的表现性，并不排斥图像效果，而是让图像的流动来丰富静止的绘画。他展示了图像和架上绘画的一些新的可能性：他保留了架上的表现力，利用了影像的投射效果和数码技术，但这是在保持距离的意义上实现的，让画面流动起来，因而扩展了架上的表达空间，而且还可以配上音乐，这就使架上绘画置换为装置作品了。

廖羽的作品打开了一个全新的艺术空间，整合了艺术的很多元素，而且期待观众的投入，改变自己的阅读期待，因而可以激发我们无尽的想象力和创造力。

我相信随着廖羽读架上绘画的逐步加强，以及对投影形象的精致化，他的这些实验将带来惊人的艺术表现力，也许可以带来一种新的艺术潮流！让我们拭目以待，让我们擦耳以听！

三位风格迥异的艺术家这一次向我们展现了图像与绘画之间关系的多重可能性，这些作品召唤我们的参与和阅读，那就让我们一起来观看这些作品，一起来看图说画吧！

过去的时光真的就这样失去了吗？

过去的是什么？失去的又是什么

时间、生命、感情、友情、亲情

难道过去了，就真的表示我要失去一些东西吗

不知道要过多久才能接受这样的事实